Club Fotografico de Mexico A.C.

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 Artículo: Los Estilos fotográficos 5ta. parte

El Documentalismo y el Dinamismo

La fotografía Documental

 La fotografía documental utiliza imágenes de tipo social y como tal emplea a la cámara para comunicar sucesos sobre las personas y su entorno. Los primeros fotógrafos documentalistas comenzaron a ser tratados como proscritos del carácter artístico de la fotografía e inician en los Estados Unidos cuando en 1841 Sothworth y Hawes empiezan a fotografiar personajes celebres.

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El carácter documental de la fotografía esta inmersa en las batallas a favor y en contra de los fenómenos sociales y  amplificando su alcance por los medios de comunicación como las revistas, los periódicos y recientemente la televisión y el internet es capaz de llegar a las masas. A mediados de los años 20’s, Alemania era centro mundial de la industria de la imprenta y de la fabricación de cámaras y no es extraño que este mismo país estuviera a la vanguardia en revistas ilustradas y así mismo los primeros en influenciar en la opinión publica. Si tu propósito es convertirte en fotógrafo documental, debes tomar en cuenta que es imprescindible contar con especial sensibilidad por los sucesos sociales del mundo que nos rodea, conocer bien a bien la técnica, pero sobre todo tener la capacidad de intuir el momento decisivo para realizar el disparo, esto es lo que hace únicas por ejemplo las fotografías del maestro Cartier-Bresson. 

 

Dinamismo

 Entre los años 10’s y 30’s, fuerza y movimiento fueron términos muy importantes en el lenguaje de la revolución artística fotográfica, imágenes  múltiples, difusiones provocadas por el movimiento o la congelación de este por las altas velocidades de obturación fueron técnicas utilizadas para este estilo fotográfico. Estos efectos que antes se consideraban fallos, ahora eran explotados para conseguir abstracciones de alto valor artístico. Cubismo, vorticismo o futurismo fueron movimientos que intentaban plasmar los conceptos de espacio y tiempo dentro de las imágenes con la ayuda de las nombradas “líneas de fuerza”. La aportación de fotógrafos como Muybridge o Etiene Marey, fue que la realidad es mas amplia de lo que aporta nuestra  vista y que utilizando diversas técnicas podía ampliarse la percepción. 

Otro gran maestro de este movimiento fue Erns Haas conocido por su imágenes de pájaros, caballos y toros en movimiento, supo combinar perfectamente el movimiento de la cámara durante la toma con sus motivos fotográficos, para este autor  el color era fundamental y prefería la sugestión de la atmósfera dinámica a la reproducción exacta y milimétrica del detalle.

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El Nuevo Realismo 4ta. Parte

 Nace en los años 20’s como reacción al pasado pictorialista de la fotografía, del que muchos fotógrafos ya estaban cansados, apostando a mostrar en sus imágenes la crudeza y detalle de la realidad. Los recargados motivos del pictorialismo son sustituidos por motivos cotidianos, desde retratos directos sin retoques y manipulaciones, primeros planos de objetos animados e inanimados hasta  paisajes espectaculares. El movimiento del nuevo realismo estaba reñido por completo con las manipulaciones y retoques de la imagen, Este planteamiento que parece muy convencional e incluso clásico para la época, fue sin embargo revolucionario para los años 20’s que cualquier cosa que no fuera seguir el puritanismo clásico era mas que pecado.

El nuevo realismo fue ostentoso en sus medios técnicos por parte de algunos artistas que decidieron seguir usando los grandes cámaras de placa del siglo IXX, para positivar los negativos por simple contacto, sin perder calidad ni nitidez. Otros fotógrafos como Strand y Stieglitz grandes abanderados de este movimiento, encumbraron las cámaras “portátiles” tipo Gráflex de placa hecha en Estados Unidos.

En épocas mas recientes hay  fotógrafos que siguen defendiendo la calidad y nitidez de los grandes formatos.En 1932 el movimiento del Nuevo Realismo se consagró como referente mundial con el nacimiento del famoso “grupo f64”,  Otro de los grandes representantes de este movimiento fue el maestro Edward Weston aunque en la primera década de los 20’s se vio influenciado por los canones pictorialistas, en 1922 se adhiere al Movimiento Neorealista, tras conocer el trabajo de Stieglitz y Strand.Esta corriente neorrealista es la de mas influencia en ámbito comercial, publicitaria y moda dado que el objetivo es mostrar y resaltar las virtudes del producto.                                           Extracto de la Revista “Super Foto Práctica”                  Edición: Luz Ma.Calzada

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Ashes and Snow del fotógrafo Gregory Colbert

Por Enrique Juárez

A partir del sábado 19 de enero tendremos la oportunidad de disfrutar la magna exposición Ashes and Snow del fotógrafo canadiense Gregory Colbert que será exhibida en una estructura por demás espectacular llamada Nomadic Museum, diseñada por el arquitecto colombiano Simón Vélez quien utilizó bambú así como materiales reciclables.

 Después de haber viajado por Venecia, Nueva York, Tokio y Santa Mónica (EU) llega por fín a la ciudad de México, causando gran espectación debido a que en la plaza mayor de esta ciudad se monto desde hace ya varios meses tremenda estructura que a todo mundo provocaba curiosidad, primero por su apariencia y luego por sus dimensiones (5,600 m²) que ya nos anunciaban algo inusual. En dicho espacio se distibuyen 2 galerías y 3 teatros.

Ashes and Snow esta compuesta por 53 fotografías impresas en papel artesanal de arroz, acabadas en color sepia y con dimensiones de 3,5 x 2,5 metros. Cabe resaltar que Colbert no incluye texto alguno, permitiendo con esto que el espectador se involucre e interactue con la obra.

En los teatros se proyectaran: un cotometraje y dos documentales con imagenes filmadas en 35 mm sobre una pantalla de 11 metros de ancho por 6,5m de largo y dos más de 5m de ancho por 3m de alto.

De la obra en sí, se podrían decir muchas cosas: como que es un proyecto que se ha fraguado durante 17 años y se ha desarrollado en Egipto, Birmania, Sri Lanka, Kenia, Etiopia, Namibia, Tonga, Las Azores, Borneo, Ecuador y proximamente México; y según palabras del mismisimo Colbert  “las imagenes expresan visualemente la forma en que los humanos y los animales conviven en un ambiente de armonía, paz y tranqulidad.

La recomendación es que no pierdas la oportunidad de juzgar por ti mismo lo que parece ser una de la obras maestras del arte contemporáneo y aunque permanecerá hasta el 27 de abril se prevee que recibirá la visita de al menos un millón de personas. No te esperes al último momento y ve planenado tu visita.

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Impresionismo y Naturalismo

Muy de la mano de la pintura los defensores del Pictorialismo fotográfico
se dividieron en dos corrientes: los Impresionistas influenciados por la pintura francesa de la época , en la que el artista tamizaba las escenas de la naturaleza de acuerdo a sus propias impresiones , y el Naturalismo en lo que lo importante era la reproducción fiel de la naturaleza, sin artificiosidad.
Tanto el impresionismo como el naturalismo fueron reacciones ante el pictorialismo que consideraba imprescindible continuar con las pautas académicas de la pintura.

Impresionismo
El término Impresionista nace a partir de la obra pictórica de Monet titulada “Impresión” que se presentara en una exposición en Paris en la cual también aparecían Reinor, Pisarro y Degas, las obras mostraban mas juegos de luz que los contornos de los objetos; y las pinceladas breves y sueltas, aparentaban a distancia corta formar parte de un mosaico de colores que iba desapareciendo a medida que el espectador se alejaba del cuadro. El enfoque impresionista llega hasta nuestros tiempos por influencia de fotógrafos como David Hamilton y Ernest Haas.

Naturalismo
A finales del 1880 el médico y naturalista P. H. Emerson impulso un nuevo movimiento fotográfico para éste autor era innecesario e inaceptable que los fotógrafos imitasen la pintura. Para él lo importante era estudiar el encuadre y el enfoque de la imagen a través de la pantalla de cristal esmerilado y componer los elementos. Dicha composición no debía seguir ninguna pauta de carácter artístico, así mismo para Emerson se debía actuar con rapidez para mantener un punto de vista espontáneo y declaraba la guerra a todo lo que oliera a montaje y retoque, debía conservarse en la fotografía el mayor grado de pureza.

A este movimiento naturalista se unieron numerosos fotógrafos , como el entonces famoso grupo “Fotosecesión”, también se apreció su influencia en fotógrafos posteriores como Frederick Evans y Alfred Stieglitz.

Extraído de la revista : Super Foto Práctica
Edición: Luz María Calzada

 

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La fotografía artística y el pictorialismo

La fotografía en la actualidad nos permite dedicar mas tiempo a los aspectos creativos dado que los problemas técnicos se han facilitado con las nuevas tecnologías, la fotografía digital sin duda nos ha dado armas para echar a volar la imaginación casi sin limite alguno. Pero no siempre ha sido así, los estilos y las tendencias fueron limitados por las técnicas disponibles en algunos casos y en otros por los planteamientos sociales.

La corriente artística de la fotografía se inicia en el Reino Unido entre los años 1850 y 1870. Los fotógrafos de la época aspiraban a un reconocimiento idéntico al que tenia la pintura. Pero el hecho de que la fotografía por su naturaleza fuese mas cercana a la realidad generaba disputas entre que si debía considerarse como una practica artística o científica. Por lo cual se desarrollo una afición inocua a adaptar el carácter pictórico a la fotografía.
La sociedad victoriana de la Gran Bretaña estaba muy clara en lo que debía fotografiarse o no, por ejemplo la fotografía debía seguir las tendencia de los pintores de la época, motivos alegóricos con caras morales y de carácter instructivo.
Este movimiento en que los primordial a ultranza era la búsqueda de la nitidez y la definición en los detalles, así como la meticulosidad en los procesos, acabo criticado como afectado y carente de creatividad.
Fue la época de los grandes formatos, materiales poco sensibles y objetivos de distancias focales largas, que dificultaban realizar enfoques en diferentes planos, la solución fue el registro por separado y unificar la escena durante la impresión.

El pictorialismo desarrollado entre los años 1880 y 1930, y surge como una reacción al moviendo artístico de la fotografía, en este se valoraba mas el atractivo estético que el contenido de la imagen, los representantes de este movimiento querían demostrar que la fotografía podía llegar a considerarse un arte similar a la pintura, esa fue la época de los complicados procesos de laboratorio, la goma bicromatada, positivados al carbón, al óleo, y bromóleo, así mismo se retoma la técnica casi prehistórica de la cámara estenopeica, y el golpeteo en el triple para conseguir una artística indefinición de la imagen.
Algunos representantes de ese movimiento fueron, Margaret Cameron, Edward Steichen y Alvin Langdon, entre otros.

Extraido de la revista: Super Foto Práctica
Edicion: Luz Ma. Calzada

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Los estilos fotográficos
Introducción

Uno de los aspectos importantes en la búsqueda de la creatividad fotográfica, es el estilo propio, los conocimientos técnicos que se tengan sobre fotografía como iluminación, exposición, impresión, encuadre, etc., son herramientas imprescindibles para obtener buenos resultados pero uno de los factores imprescindibles para obtener magníficos resultados es la creatividad, decidir que fotografiar, cuando disparar y como contextualizar las imágenes para darles una marca personal es otro cantar, y esto resulta un poco mas complicadito que un conocimiento meramente técnico.

La apreciación que tenemos del mundo puede ser a veces muy superficial, distinguimos muchas veces solo una imagen parcial de los sucesos de nuestra vida cotidiana, fragmentos de colores, sujetos y formas que la mayoría de las veces no nos dicen nada. Estos mismos elementos pueden convertirse en imágenes imperecederas y expresivas en la medida que el fotógrafo se convierten en un verdadero observador, analizar con mayor detalle que sentimientos provoca en si mismo, sus características visuales, y la posible forma de organizarlos y presentarlos al observador. Ampliar los limites de nuestra percepción nos ayudara a crear poco a poco un sello único y original de trasmitir en imágenes la visión de nuestro entorno. Esta capacidad de percepción se desarrolla como tantas otras habilidades, con la practica; el conocimiento y estudio atento de las artes visuales: la pintura, escultura, literatura, etc., consumir revistas, libros especializados, exposiciones, museos, conocer los diferentes estilos y escuelas que se han desarrollado durante toda la historia del “arte de la lente” deben formar parte de nuestra educación como artistas visuales. Y aunque la recomendación es correcta, mucho opinan que seguir intensamente el trabajo de otros fotógrafos, tiene como resultado la imitación y no la creación, por lo cual si no se aconseja abandonar completamente este suministro, es recomendable al obtener suficiente información sensorial, desprenderse un poco de los ejemplos y desarrollar las propias convicciones estéticas, confiar en el gusto y juicio propio.
La reacción inequívoca al “lanzarse a volar por uno mismo”, interpretando de forma particular los estímulos externos e internos, es el miedo al error, pero fallar es común para todo fotógrafo y es inevitablemente en las etapas iniciales, sin embargo deberemos correr estos riesgos si queremos algún día ser autores de imágenes irrepetibles.

Extraído de la revista “ Súper Foto Práctica”                                           Compilación: Luz Ma. Calzada
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